OLIVIER DEBRE (1920-1999)
Coulée diagonale jaune rose
1986

signé, titré et daté 86 au revers
huile sur toile

signed, titled and dated 86 on the reverse
oil on canvas

100 x 100 cm.
39 3/8 x 39 3/8 in.
Footnotes:
Cette œuvre est enregistrée auprès des Archives Olivier Debré, Tours ; un certificat des Archives Olivier Debré sera remis à l'acquéreur.

Provenance
Collection particulière, France
Vente : Cornette de Saint Cyr, Paris, Art Contemporain, 27 juin 2011, lot 46
Acquis lors de cette vente par le propriétaire actuel


Comme la terre soupire lentement avant d'entrer dans l'ombre, les toiles d'Olivier Debré offrent quelque chose qui donne à l'homme la mesure de son identité. De ses vues, empreintes du monde sensible (« l'espace est le lieu et la révélation à la fois », dit le peintre), l'artiste prélève une forme qui génère sa propre forme. L'évanouissement des contours, qu'il appelle de ses vœux, permet en une simple toile la passation imperceptible du mouvement à l'espace, de la couleur à la lumière, du mouvement au temps. Chacune de ses œuvres est un tout, dont l'éternel présent est fait de chair.
Son art, épris d'élan et de solitude, d'une structure picassienne s'est, au début des années 1940, paré. Bouleversé par le tableau Guernica, qu'il découvre en juin 1937 au pavillon de l'Espagne lors de l'Exposition universelle à Paris, le jeune artiste décide de rencontrer le maître, qui l'invite régulièrement dans son atelier des Grands-Augustins pendant l'hiver 1942-1943. C'est à cette époque que Georges Aubry, dont la galerie est située non loin de là, décide de l'exposer. Ses premières toiles abstraites sont autant de parcelles où l'artiste, au couteau ou à la brosse, travaille l'espace et son vide. Le plan devient une étendue.
Sa première exposition personnelle, à la galerie Bing, attire l'attention du grand critique Charles Estienne qui l'invite au salon d'Automne, en 1952 aux côtés de Zao Wou-Ki, Degottex, Poliakoff et Manessier. Matiéristes, aux couleurs sourdes, ses toiles vernaculaires invitent l'esprit à un raisonnement à rebours : l'intérieur ne peut s'atteindre que par l'extérieur, parce que ses peintures sont un dévoilement fait d'accords silencieux.
La Perspective Gallery, à New York, puis la célèbre Knoedler Gallery, lui assurent une reconnaissance internationale. En 1959, après un voyage en Espagne, il expose à la Phillips Gallery de Washington où le peintre rencontre Mark Rothko et Franz Kline. Les années 1960, qui débutent avec une double-exposition Paris/New York à la galerie Knoedler, seront celles de la consécration. L'artiste, dans ses œuvres ferventes, recueille avec patience le surgissement ultime.
Si le peintre s'incarne dans le geste, il est un sujet où se confondent les battements de son sang et la possession tumultueuse de l'onde tourangelle. L'incessante éclosion de la Loire, dans ses tableaux des années 1980, est devenue si iconique de son Œuvre qu'il nous est aujourd'hui difficile d'observer le fleuve royal sans y déceler l'onctuosité héraclitéenne de ces toiles où se devine la lassitude rougissante d'un jour qui s'éteint ou la virginale clarté indécise d'une aube naissante.
Dans ses toiles fluides et légères, Olivier Debré convoque la complicité du ciel en créant sur le motif. Les gouttelettes de pluie et les taches ajoutent un éclat capiteux à sa matière ductile, hic et nunc. En recueillant l'épanchement ou le frémissement de la couleur qui s'évade (l'artiste penche la toile, une fois celle-ci achevée), Olivier Debré a fait de ces ourlets de matière sa signature. Ces sédiments sont autant de fragments.
Faisant siens les mots de Bachelard : « la rêverie dynamique dans l'intimité matérielle », ce peintre combat le réalisme pour faire du réel sa véritable quête ; les embruns, sous son pinceau, se ressentent, comme une chaleur cuivrée émane de sa Coulée diagonale jaune rose créée en 1986. Révélant l'orgueil naturel de la beauté du monde, Olivier Debré extrait de notre vue ce qu'il y a de plus beau : le regard.


As the earth exhales gently before slipping into the shadows, Olivier Debré's paintings offer the means to the measure of one's identity. From his views, captured within the perceptible world—space is at once a place and a revelation, says the painter—, the artist retrieves a shape that in turn generates another shape. When contours become precarious, a moment he so looks forward to, then within a single canvas is held the imperceptible passage from movement to space, from colour to light, from movement to time. Each of his works is an entity, the eternal present of which is made tangible.
His art, suffused with élan and solitude, in the early 1940s, adopted a Picasso-like structure. Moved by the painting Guernica, which he discovered in June 1937 in the Spanish pavilion at the Universal Exhibition in Paris, the young artist decided to meet the master who, during the winter of 1942-1943, invited him regularly to his studio at the Grands-Augustins. It was at this time that Georges Aubry, whose gallery was located nearby, decided to exhibit his work. His first abstract canvases were composed of a number of colour fields where the artist, using a knife or a brush, worked on space and its emptiness. The plane became an expanse.
His first solo exhibition, at the Bing Gallery, attracted the attention of the great critic Charles Estienne, who invited him to the Salon d'Automne in 1952, alongside Zao Wou-Ki, Degottex, Poliakoff and Manessier. His vernacular canvases, with thick impasto and muted colours, invite us to reverse our thought process: since his paintings are an unveiling of silent agreements, one must, from the exterior seek out the interior. The Perspective Gallery in New York, followed by the famous Knoedler Gallery, afforded him international recognition. In 1959, after a trip to Spain, he exhibited at the Phillips Gallery in Washington, where he met Mark Rothko and Franz Kline. The 60s, which began with a double exhibition in Paris and New York at the Knoedler Gallery, were the years of his consecration. The artist, in his fervent works, patiently awaits the ultimate emergence.
Though the painter is embodied in each gesture, he is a subject in which are merged the pulse of his blood flow and the rapture caused by the tumultuous waters of Touraine. The shimmering appearances of the Loire, in his paintings of the 1980s, have become so iconic of his work that it is now difficult to look at that Royal River without detecting Heraclitus's Flux in the unctuousness of his canvases; the blushing weariness of a fading day or the virginal, hesitant clarity of a new dawn.
In his delicate, fluid canvases, Olivier Debré summons the complicity of the sky by creating on the motif. Raindrops and traces add a heady sheen to his ductile matter, here and now. By collecting the overflow or effervescence of the runaway colour (the artist tilts the canvas once it is finished), Olivier Debré has made such seams of matter his signature. Sediments which are as many fragments.
Endorsing Bachelard's words he says: 'a dynamic reverie within the intimacy of matter', his true quest: by refusing realism to achieve what is real; the sea spray under his brush can be felt, just as a copper-coloured warmth emanates from his Coulée diagonale jaune rose created in 1986. Revealing the world's natural pride of beauty, Olivier Debré extracts from our sight that which is most beautiful: the gaze.
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